La virgen del prado

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Bajo la influencia de Leonardo, Rafael comenzó a modificar las composiciones de la Madonna que había aprendido en Umbría. Aunque fuertemente influenciado por Leonardo y Miguel Ángel, Rafael desarrolló un estilo propio.  El tipo de tranquilidad y armonía de la pintura fue muy apreciado por los mecenas del Renacimiento. Rafael lo creó durante los cuatro años que pasó en Florencia. Rafael regaló la Virgen en la pradera a su mecenas florentino Taddeo Taddi.

Esta escena muestra a la Virgen con Cristo y San Juan Bautista en un momento de gran serenidad y ternura sobre un fondo de paisaje que sitúa la escena en un entorno toscano. Las tres figuras, en un prado verde y tranquilo, están unidas por miradas y manos que se tocan. Rafael ha colocado las grandes y sustanciosas figuras en un paisaje perugino, con los típicos árboles plumosos en el centro. La Virgen está sentada en una elevación del suelo. Sostiene al niño Jesús con ambas manos mientras mira al pequeño Juan Bautista.  El Niño Jesús está agarrando la cruz de San Juan. La cruz es un juguete, un atributo de Juan Bautista y un símbolo de la Pasión. La amapola de la derecha es también un símbolo de la Pasión. La Virgen María lleva un manto azul con bordes dorados sobre un vestido rojo y su pierna derecha está tendida en diagonal.

Madonna en el prado rafael análisis

La Madonna del Prato, formalmente Madonna con el Niño Jesús y San Juan Bautista, es un óleo sobre tabla de Rafael, realizado en 1506, que se conserva en el Kunsthistorisches Museum de Viena. También se conoce como la Madonna del Belvedere por su larga residencia en la colección imperial del Belvedere de Viena.

El cuadro fue ejecutado por Rafael, de veintitrés años de edad, a los pocos meses de su llegada a Florencia en 1504-1505[1][2] La escena representa las figuras de la Virgen María, el niño Jesús y el niño Juan Bautista en un prado tranquilo y cubierto de hierba, en una disposición piramidal unida por sus miradas. María lleva un manto azul con bordes dorados sobre un vestido rojo y extiende su pierna derecha en diagonal. El azul simboliza la Iglesia y el rojo la muerte de Cristo, y la Virgen toca las manos de Jesús para unir a la Madre Iglesia con el sacrificio de Cristo[cita requerida] Sus ojos se fijan en Cristo, su cabeza girada hacia la izquierda y ligeramente inclinada, y sus manos lo sostienen mientras se inclina hacia delante de forma inestable para tocar la cruz en miniatura que sostiene Juan. La amapola hace referencia a la pasión, muerte y resurrección de Cristo. El cuadro representa un momento tranquilo, tierno e idílico, sólo perturbado por el hecho de que el niño Jesús agarra la cruz sostenida por Juan el Bautista, lo que alude a la próxima Pasión de Jesús[3]. Este tipo de composición serena y armoniosa era muy apreciada por los mecenas del Renacimiento y le valió a Rafael el encargo de pintar un fresco para el Papa en la stanze del Vaticano en Roma[2].

La virgen con el niño

La Virgen María adora al Niño que duerme en su regazo. Giovanni Bellini fue uno de los primeros pintores italianos que utilizó los escenarios naturales para realzar el significado de sus cuadros. En este caso, la Virgen inmóvil contrasta con el paisaje, en el que las diferentes formas de las nubes, desde las más finas y tenues hasta las más gordas y esponjosas, y las sombras sobre ellas dan la impresión de un tiempo cambiante. La claridad de la luz, que proyecta un pálido resplandor sobre todo lo que toca, desde la manga derecha de la Virgen hasta los muros del castillo en la distancia, sugiere que es primavera.

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El cuadro de la Virgen en el prado (también llamado la Virgen del Belvedere) fue realizado por un Rafael veinteañero durante su estancia en Florencia.    La escena muestra a la Virgen con Cristo y San Juan Bautista en un momento de gran serenidad y ternura sobre un fondo de paisaje que sitúa la escena en un entorno toscano.    Además de ser el primo de Cristo, San Juan Bautista era el patrón de Florencia, por lo que su presencia aquí en un entorno florentino es muy apropiada.

Las figuras del cuadro están dispuestas en una composición piramidal.    Esto es algo que Rafael recogió de Leonardo, en particular su popular caricatura que muestra a la Virgen, Santa Ana y sus hijos, que se encontraba en otra iglesia de Florencia.    Rafael también recogió el uso de Leonardo del fino claroscuro para modelar las figuras de manera que parecen ocupar un espacio real dentro del cuadro.    Sin embargo, a diferencia de Leonardo, Rafael utilizó una paleta de colores más clara, más acorde con la utilizada por su maestro, Perugino.

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