Lamentación sobre cristo muerto mantegna

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La Lamentación de Cristo (también conocida como la Lamentación sobre el Cristo Muerto, o el Cristo Muerto y otras variantes) es una pintura de alrededor de 1480 del artista renacentista italiano Andrea Mantegna. Aunque la datación de la obra es discutida, fue realizada entre 1475 y 1501, probablemente a principios de la década de 1480[1]. Lo velan la Virgen María, San Juan y Santa María Magdalena llorando por su muerte.
Vídeo externo Cristo muerto de Mantegna, temple sobre lienzo, c. 1480 – 1500 (Pinacoteca di Brera, Milán) Ponentes: Dr. Steven Zucker y Dra. Beth Harris. Creado por Beth Harris y Steven Zucker, 18 de febrero de 2017, Smarthistory[2]
Es posible que Mantegna realizara este cuadro para su capilla funeraria personal. Fue encontrado por sus hijos en su estudio tras su muerte y vendido para pagar deudas. El cuadro se encuentra ahora en la Pinacoteca di Brera de Milán, Italia[3].
Por la forma en que está pintado Cristo, el espectador tiene dificultades para precisar las dimensiones reales del cuerpo de Cristo. Su torso, más bien grande, y sus manos y pies se representan más cerca del espectador, por lo que es difícil saber el tamaño de sus proporciones. El historiador de arte Hubert Schrade señala «la agitación de la dimensión de la obra, que permite una proximidad inmediata pero niega cualquier intimidad». Mantegna también redujo el tamaño de los pies de la figura, que cubrirían gran parte del cuerpo si se representara a tamaño real[5] El erudito alemán Hans Jantzen sugiere que el cuadro tiene una perspectiva ortogonal, una perspectiva que él consideraba de máximo valor significativo.

comentarios

La Lamentación sobre Cristo muerto es una pintura de alrededor de 1480 de la Lamentación de Cristo del artista renacentista italiano Andrea Mantegna. La fecha real de la obra es discutida, pero se cree que fue completada entre 1457 y 1501.
El tema es común al arte medieval y renacentista, aunque el tratamiento, que se remonta a un tema conocido como la Unción de Cristo, es inusual para este periodo. La mayoría de las Lamentaciones muestran mucho más contacto de los dolientes con el cuerpo. Hay ricos contrastes de luz y sombra, y un profundo sentido de patetismo. El realismo y la tragedia de la escena se ven reforzados por la violenta perspectiva, que acorta y dramatiza la figura yacente, subrayando los detalles anatómicos: en particular, el tórax de Cristo. Los agujeros de las manos y los pies de Cristo, así como los rostros de las dos plañideras, se retratan sin ninguna concesión al idealismo ni a la retórica. El drapeado que cubre el cadáver contribuye al efecto dramático. El diseño que sitúa el foco central de la imagen en los genitales de Cristo es único en este cuadro, una elección artística que se presta a multitud de interpretaciones. En cambio, Mantegna logró pintar una representación muy específica de un trauma físico y emocional.

análisis del cristo muerto de andrea mantegna

La Lamentación de Cristo (también conocida como Lamentación sobre Cristo muerto, o Cristo muerto y otras variantes) es una pintura de alrededor de 1480 del artista renacentista italiano Andrea Mantegna. Aunque la datación de la obra es discutida, fue realizada entre 1475 y 1501, probablemente a principios de la década de 1480[1]. Lo velan la Virgen María y San Juan y Santa María Magdalena llorando por su muerte.
El tema de la Lamentación de Cristo es común en el arte medieval y renacentista, aunque este tratamiento, que se remonta a un tema conocido como la Unción de Cristo, es inusual para la época. La mayoría de las Lamentaciones muestran mucho más contacto entre los dolientes y el cuerpo. Abundan los ricos contrastes de luces y sombras, impregnados de un profundo sentimiento de patetismo. El realismo y la tragedia de la escena se ven reforzados por la violenta perspectiva, que acorta y dramatiza la figura yacente, subrayando los detalles anatómicos: en particular, el tórax de Cristo. Los agujeros de las manos y los pies de Cristo, así como los rostros de las dos plañideras, se retratan sin ninguna concesión al idealismo ni a la retórica. La cortina que cubre el cadáver contribuye al efecto dramático. La composición sitúa el foco central de la imagen en los genitales de Cristo – un énfasis que se encuentra a menudo en las figuras de Jesús, especialmente como un niño, en este período, que se ha relacionado con un énfasis teológico en la Humanidad de Jesús por Leo Steinberg y otros.

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La datación del cuadro es discutida, hay varias suposiciones que van desde el final del periodo paduano del artista (c. 1457) hasta 1501. El aspecto más notable del cuadro es la construcción de la perspectiva, por la que la imagen del Redentor parece «seguir» al espectador por la sala mediante el uso de una técnica ilusionista.
En una carta escrita el 2 de octubre de 1506 al duque de Mantua, Ludovico Mantegna mencionaba un «Cristo en escorzo» entre las obras dejadas por su padre. Probablemente data de la década de 1470. En ese caso, debió de permanecer en el taller de Mantegna durante mucho tiempo, y es posible que estuviera destinado a su funeral. De hecho, figuraba a la cabeza de su catafalco cuando murió. Posteriormente fue adquirida por el cardenal Sigismondo Gonzaga, y entró en el Brera en 1824.
Es típico del arte de Mantegna que el simple encuadre en forma de ventana del espacio confinado en este cuadro lo defina arquitectónicamente como la fría y lúgubre celda de una morgue. Al mirar dentro, vemos un espectáculo casi monstruoso: un pesado cadáver, aparentemente hinchado por el exagerado escorzo. En la parte delantera hay dos enormes pies agujereados; a la izquierda, unas máscaras de mirada fija manchadas de lágrimas. Pero otra mirada disipa el choque inicial, y se puede discernir un sistema racional bajo la luz tenue. El rostro de Cristo, como los demás rostros, está surcado de arrugas, que armonizan con el satén acuoso de la almohada rosada, las pálidas granulaciones de la losa de mármol y el ónice veteado del frasco de ungüentos. Los pliegues húmedos del sudario acentúan los pliegues de la piel tensa, que es como un pergamino rasgado alrededor de las heridas secas. Todas estas líneas tienen su eco en las ondas salvajes del cabello.

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