Pinturas de guerra indios americanos

Helen hardin

Spatial Whorl (1949-50) de Dick West, un pequeño óleo sobre lienzo con un remolino de marrones y amarillos terrosos salpicados de rosas ardientes, azules celestes y afiladas espinas rojas, es el primer cuadro que los visitantes ven en «Stretching the Canvas: Ocho décadas de pintura indígena», una nueva exposición de larga duración en la sede neoyorquina del Museo Nacional del Indígena Americano del Smithsonian, que presenta obras de la colección de la institución. «¿Qué hay de indio americano en esta elegante abstracción?», pregunta una etiqueta. La pregunta es una trampa para el espectador esencialista que daría cualquier respuesta que no fuera: «Fue pintado por un artista indio americano». Se podría decir que las flechas alargadas de color naranja y rojo parecen evocar el trabajo de acolchado, o que el disco amarillo central sugiere la ceremonia de la Danza del Sol que West representó en otros cuadros, pero sólo seleccionando detalles de los muchos elementos fluidos de la composición.

«Estirar el lienzo» no pretende ofrecer un estudio exhaustivo ni una definición concluyente de la pintura india americana. Más bien aboga por las muchas formas en que los artistas nativos han maniobrado para evitar los sistemas de producción y recepción del arte que les negarían el «derecho al individualismo», como escribió el artista dakota yanktonai Oscar Howe en una carta de 1958 en la que protestaba por el rechazo de su obra en un concurso por no ser lo suficientemente «india». Las treinta y nueve pinturas de treinta artistas del NMAI demuestran ser demasiado variadas para cualquier idea única de un «estilo nativo». En cambio, esta celebración de la colección de pintura del museo demuestra cómo una historia de heterogeneidad contrarresta la retórica esencialista. Al trazar las múltiples líneas del modernismo nativo, la muestra debería ser un indicador para las instituciones que todavía excluyen estas historias.

Indios galeses

El general Johnson salvando a un oficial francés herido del tomahawk de un indio norteamericano es un cuadro de Benjamin West, realizado entre 1764 y 1768. Representa una escena durante la Guerra de los Franceses y los Indios, y fue pintado unos años después del acontecimiento representado en el cuadro, y ahora se encuentra en la colección del Museo y Galería de Arte de Derby[1][2].

El cuadro es importante porque es una vista contemporánea que muestra a los tres principales grupos implicados durante la Guerra de Francia e India[1] (que podría llamarse de forma más amplia «la Guerra Británica, Francesa e India»[3]). Representa al soldado irlandés Sir William Johnson impidiendo que un auxiliar indígena tome la cabellera del barón Dieskau,[4] un soldado francés herido y derrotado que yace en el suelo[2].

West fue uno de los primeros pintores estadounidenses. Afirmó que un amigo de la infancia de los nativos americanos le enseñó a pintar mezclando arcilla con grasa de oso[5]. El cuadro muestra con gran detalle la figura indígena, cuyo cuero cabelludo arrancado y tatuajes se muestran con más detalle que los uniformes de los europeos. Se sabe que West tenía una colección de objetos norteamericanos que utilizaba en sus cuadros[6].

Jaune rápido para… smith

Pintura de guerraHechos e información sobre la historia y la cultura guerrera de los nativos americanos, incluyendo el tema de la pintura de guerra. Muchas de las Fotos e Imágenes de Nativos Americanos en este sitio web muestran a los indios con pintura de guerra completa en diferentes formas, colores, símbolos y diseños. Cada tribu tenía sus propios diseños y se pintaban el cuerpo y la cara para los rituales, las danzas y para la batalla.Descubre cómo se hacía y se aplicaba la pintura de guerra y los significados, el simbolismo y las razones por las que se usaba.Cultura de los Nativos AmericanosÍndice de Tribus Nativas

Cultura de los nativos americanos – Pintura de guerraMuchos de los cuadros e imágenes de los nativos americanos muestran a los indios con pintura de guerra completa. Muchas tribus de nativos americanos se pintaban el cuerpo y la cara para los rituales, las danzas y la batalla. Se creía que los diseños pintados tenían poderes mágicos de protección. También se utilizaban colores e imágenes para que los guerreros, jefes y valientes parecieran más feroces. Sus objetivos se cumplían. Los indios nativos americanos incluso pintaban sus caballos y ponis decorándolos con símbolos de guerra o de poder, véase Horse War Paint.

George catlin

Este título, bellamente ilustrado, se publica junto con Arctic Journeys/Ancient Memories: The Sculpture of Abraham Anghik Ruben, una exposición que podrá verse en el National Museum of the American Indian hasta el 2 de enero de 2013. El arte del artista contemporáneo inuvialuit Abraham Anghik Ruben explora la vida social, cultural y espiritual de sus antepasados inuvialuit (inuit) y las influencias de los aventureros vikingos y los colonos nórdicos que llegaron al Ártico norteamericano.

«En [este] memorable libro, los pueblos indios utilizan palabras, acciones y artefactos para representarse a sí mismos como plenamente humanos, libres por fin de las pruebas de autenticidad y pureza que aplastan el alma y reducen el espíritu»-The New York Times Book Review

Este deslumbrante catálogo cumple el objetivo del NMAI de sacar el arte indígena de la oscuridad de las «vitrinas abarrotadas» y llevarlo a las galerías, donde se puede apreciar mejor su belleza estética».

«Fritz Scholder: Indian/Not Indian es un brillante examen del artista nativo americano más importante del siglo XX…. Caracterizada por su complejidad psicológica, la obra de Fritz Scholder abrió el camino a un nuevo y audaz tipo de arte indio y enriqueció la historia del arte estadounidense. Este libro comparte maravillosamente su obra» -Ralph Lauren

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